EL SIGLO XX
Este siglo estuvo caracterizado por sus
revoluciones sociales y por el cambio que supuso en lo estético y
artístico. El quiebre con la tradición histórica de la música es
absoluto y atraviesa diferentes instancias:
- la sumatoria de elementos paralelos (distintas tonalidades, compases o tipos rítmicos a la vez),
- las citas textuales (collages),
- las repeticiones (minimalismo),
hasta desechar toda referencia al tonalismo tradicional, con el atonalismo, dodecafonismo y serialismo integral,
Los artistas fueron trabajando con materiales reelaborados (música concreta, objetos sonoros) o provenientes de una nueva síntesis (música electrónica, digital). La música se desestructura al azar (música aleatoria) y la fusión con otras artes (música teatral y gestual).
En conclusión, se llevaron a lo sonoro las pruebas y teorías utópicas y revolucionarias que trataron de acomodar la producción estética a en mundo en ebullición. Nunca se había visto semejante eclecticismo, confusión y proliferación de escuelas.
- la sumatoria de elementos paralelos (distintas tonalidades, compases o tipos rítmicos a la vez),
- las citas textuales (collages),
- las repeticiones (minimalismo),
hasta desechar toda referencia al tonalismo tradicional, con el atonalismo, dodecafonismo y serialismo integral,
Los artistas fueron trabajando con materiales reelaborados (música concreta, objetos sonoros) o provenientes de una nueva síntesis (música electrónica, digital). La música se desestructura al azar (música aleatoria) y la fusión con otras artes (música teatral y gestual).
En conclusión, se llevaron a lo sonoro las pruebas y teorías utópicas y revolucionarias que trataron de acomodar la producción estética a en mundo en ebullición. Nunca se había visto semejante eclecticismo, confusión y proliferación de escuelas.
Las corrientes artísticas del siglo XX se
opusieron y superpusieron. Pronto se conjugaron la sinestesia sensorial del
impresionismo y su opuesto expresionista. Así comenzaron a surgir
corrientes neoclasicistas y nuevos lenguajes artificiales
(dodecafonismo), la convergencia de las músicas eruditas y populares o
su ingreso en los recintos sagrados del arte clásico, el cerebrismo de
la escuela serialista y la ingenuidad del conceptualismo minimal. Una
línea de este tipo se prolonga desde Mahler a nuestros días a través de Schoenberg, Webern y Stockhausen, por ejemplo, con células americanas desde Schoenberg a Philip Glass y Steve Reich a través de John Cage.
Ante tal diversidad de corrientes, solo me centrare en la corriente Impresionista, y exploraré su equivalente en el ámbito pictórico.
IMPRESIONISMO EN LA PINTURA
El impresionismo no fue propiamente un ismo de vanguardia,
sino un antecedente contra el que reaccionaron los vanguardistas. Su
principal aporte a las vanguardias fue la liberación del poder expresivo
del color. Los impresionistas aprendieron a manejar la pintura más
libre y sueltamente, sin tratar de ocultar sus pinceladas fragmentadas, y
la luz se fue convirtiendo en el gran factor unificador de la figura y
el paisaje. Pero los pintores impresionistas eran artistas que ya no
pretendieron ejercer con su arte una modificación radical en las
costumbres de su época ni estaban comprometidos con la voluntad de un
gran cambio social. Son la consecuencia del fracaso de las pretensiones
de la revolución de 1830, la de 1848 y la Comuna de París.
Las discusiones de los impresionistas fueron básicamente técnicas y su pintura puede considerarse una exacerbación del naturalismo a un punto tal que terminaría oponiéndose a los orígenes de aquél. El realismo de Courbet afirmaba que en la realidad encontraba la esperanza de un cambio, la potencia de los hombres reales, y por último, el movimiento de las fuerzas revolucionarias. Los impresionistas sustituyen las discusiones de contenido por las de la técnica, la luz y el objetivismo de la transcripción pictórica.
Las discusiones de los impresionistas fueron básicamente técnicas y su pintura puede considerarse una exacerbación del naturalismo a un punto tal que terminaría oponiéndose a los orígenes de aquél. El realismo de Courbet afirmaba que en la realidad encontraba la esperanza de un cambio, la potencia de los hombres reales, y por último, el movimiento de las fuerzas revolucionarias. Los impresionistas sustituyen las discusiones de contenido por las de la técnica, la luz y el objetivismo de la transcripción pictórica.
A finales de 1869 los principales pintores impresionistas ya se conocían bien unos a otros. Por entonces el café Guerbois, en la calle de Batignolles, cerca del taller de Édouard Manet
(quien por el momento era la personalidad dominante) se
convirtió en el cuartel general de este círculo artístico. La actitud de
solidaridad de los impresionistas a comienzos de los años 1870 se expresó de un modo muy revelador en algunos retratos de grupo, como el de Fantin-Latour (Taller en el barrio de Batignolles, 1870) o el de Bazille (El taller del artista en la rue de la Condamine, 1870).
Por primera vez, durante la guerra franco-prusiana los impresionistas tienen que separarse: Pierre-Auguste Renoir y Manet permanecieron en París, Bazille murió en el frente y Monet y Camille Pissarro coincidieron en Londres, donde conocieron a Paul Durand-Ruel, desde entonces el marchante del grupo. De hecho, en 1873
Durand-Ruel se mostraba ya lo bastante seguro de ellos como para
preparar un catálogo completo con las existencias de su galería que no
llegó a publicarse.
Obras emblemáticas del Impresionismo:
PIERRE-AUGUSTE RENOIR: "Le déjeuner
des canotiers (el almuerzo de los barqueros)", 1880-81 - óleo sobre
lienzo, 129.5 × 172.7 cm - Washington, Phillips Collection -
La luz es la principal protagonista de esta
famosa pintura, en la que Renoir ha representado a un grupo de personas
en actitud relajada durante un viaje de placer por el Río Sena (entre
ellos, otro famoso pintor impresionista, Gustave Caillebotte, quien
puede ser visto en la parte inferior derecha del lienzo).
BERTHE MORISOT – “Día de verano", 1879 - Londres, National Gallery - óleo sobre lienzo, 45-75 cm. -
Nieta de Fragonard, el famoso pintor clásico francés, y criada en el seno de una familia acomodada, Morisot fue un miembro activo del grupo impresionista, e incluso Manet alabó su estilo ágil y suelto. En sus últimas obras, la influencia de Renoir es muy clara.
Nieta de Fragonard, el famoso pintor clásico francés, y criada en el seno de una familia acomodada, Morisot fue un miembro activo del grupo impresionista, e incluso Manet alabó su estilo ágil y suelto. En sus últimas obras, la influencia de Renoir es muy clara.
CLAUDE MONET – “Nympheas (nenúfares)" - óleo sobre lienzo, 219-602 cm. - 1920-1926 - Paris, Musée de l'Orangerie -
La serie de los nenúfares realizada por Monet ha sido descrita como "La Capilla Sixtina del Impresionismo".
EDOUARD MANET: "Le Déjeuner sur l'Herbe (desayuno sobre la hierba)", 1862/63 - óleo sobre lienzo - Paris, Musée d'Orsay -
Algunos expertos han llamado a esta obra
"el orígen del Impresionismo", y lo que parece claro es que en absoluto
se trata de una pintura realista. Manet agitó el mundo del Arte al
exponer esta obra en el Salon des Refusés en 1863. Émile Zola escribió
sobre este monumental lienzo: "Es, en pocas palabras, un vasto
ensamblaje, lleno de atmósfera, una esquina de la naturaleza
representada con una simplicidad admirable"
PAUL GAUGUIN - "Le Christ jaune (El Cristo amarillo"), 1889 - óleo sobre lienzo, 91.1-73.4 cm. - Albright-Knox Art Gallery, Buffalo -
Esta obra puede ser considerada uno de los orígenes de la pintura simbolista, junto con "El Cristo verde", y es un claro precedente a las pinturas religiosas que Gauguin creó en la Polinesia ("Ia Orana Maria", "Maternidad"), pero empleando como modelos a mujeres bretonas en lugar de chicas de la Polinesia. El Cristo amarillo también aparece en un famoso autorretrato del artista hoy en el Museo de Orsay en París
Esta obra puede ser considerada uno de los orígenes de la pintura simbolista, junto con "El Cristo verde", y es un claro precedente a las pinturas religiosas que Gauguin creó en la Polinesia ("Ia Orana Maria", "Maternidad"), pero empleando como modelos a mujeres bretonas en lugar de chicas de la Polinesia. El Cristo amarillo también aparece en un famoso autorretrato del artista hoy en el Museo de Orsay en París
PAUL CÉZANNE: “La montaña Sainte-Victoire visto desde Lauves”, 1904-06 - óleo dobre lienzo, 60- 72 cm. - Basilea, Kunstmuseum -
Esta es una de las versiones más
desarrolladas de las numerosas vistas que Cézanne pintó de la Montaña
Sainte-Victoire. Es una obra que podríamos denominar cubista antes del
cubismo: la montaña triangular y los elementos de la pradera –tanto
geográficos como edificatorios- adquieren volumen no gracias a la
perspectiva, sino a la superposición de planos cromáticos. Cézanne ha
introducido elementos vegetales en primer plano, delimitando y
enfatizando la vista de la montaña y la pradera.
MARY CASSATT: "Verano", 1894 - óleo sobre lienzo, 100.7-81.3 cm. - Terra Foundation for American Art, Chicago -
Mary Cassatt nació en Pennsylvania, pero vivió gran parte de si vida en Francia, donde fue invitada por Edgar Degas a exponer sus obras junto a los impresionistas franceses. Sus lienzos pintados en la década de 1890 son los más interesantes de su carrera, y cuando el grupo de los impresionistas se dispersó, Cassatt se mantuvo en contacto con varios de ellos, enriqueciendo su talento artístico hasta llegar a ser un modelo para los jóvenes pintores americanos
Mary Cassatt nació en Pennsylvania, pero vivió gran parte de si vida en Francia, donde fue invitada por Edgar Degas a exponer sus obras junto a los impresionistas franceses. Sus lienzos pintados en la década de 1890 son los más interesantes de su carrera, y cuando el grupo de los impresionistas se dispersó, Cassatt se mantuvo en contacto con varios de ellos, enriqueciendo su talento artístico hasta llegar a ser un modelo para los jóvenes pintores americanos
GUSTAVE CAILLEBOTTE: "Les raboteurs (los acuchilladores)", 1876 - óleo sobre lienzo, 102 - 146.5 cm. - Paris, Musée d'Orsay -
Caillebotte reúne un enfoque casi
fotográfico con una composición marcada por una extraña y vertiginosa
perspectiva, característica constante en sus primeras obras. Esta obra
ejemplifica como ninguna otra obra el estupor que Caillebotte podía
causar entre los asistentes a las primeras exposiciones impresionistas.
Zola, quien apreciaba bastante a Caillebotte, la describía como "una
pintura antiartística, limpia, helada y burguesa, a fuerza de
exactitud."
FRÉDERIC BAZILLE: "El estudio del
artista (la habitación de Bazille); 9 rue de la Condamine" - 1870 - óleo
sobre lienzo, 98 - 128.5 cm. - Paris, Musée d'Orsay -
Amigo de Monet, Sisley y Manet, y nacido en
el seno de una familia acomodada, Bazille es la figura trágica del
impresionismo, falleciendo en la Guerra Franco-Prusiana cuando sólo
contaba con 28 años de edad. "El estudio del artista" está considerada
como su obra maestra, en la que podemos encontrar a personas importantes
del movimiento impresionista, como Monet, Renoir, Manet, Emile Zola o
Edmond Maître
IMPRESIONISMO MUSICAL
Este movimiento estilístico floreció a finales del siglo XIX y principios del XX, sobre todo en la
música francesa. El impresionismo musical fue encabezado por el
compositor francés Claude Debussy. El movimiento, influido por los
pintores impresionistas franceses y por la poesía de Paul Verlaine,
Charles Baudelaire y Stéphane Mallarmé, acentúa el color tímbrico y el
humor en vez de estructuras formales tales como la sonata y la sinfonía.
Debussy, que también era crítico musical, enfocó el impresionismo como
reacción tanto al interés formal del clasicismo de compositores como
Wolfgang Amadeus Mozart o Ludwig van Beethoven y la vehemencia emocional
del romanticismo en compositores como Robert Schumann y Franz Schubert.
Para la consecución de este fin Debussy combinó elementos nuevos y
viejos. Por una parte utilizó la escala de tonos enteros e intervalos
complejos que hasta ese momento no se habían utilizado, desde la novena
en adelante. También recurrió a los intervalos de cuartas y quinta
paralelas propios de la música medieval. Estos recursos técnicos
aparecen en la temprana obra orquestal Preludio a la siesta de un fauno
(1894), basado en un poema de Mallarmé. La extensa obra pianística de
Debussy requirió nuevas técnicas interpretativas, que incluían un
generoso pero sensible uso de los pedales para crear un torrente
indiferenciado de sonido.
La música
impresionista francesa continuó su evolución en la obra de Maurice
Ravel. Otros compositores de esta escuela fueron Paul Dukas y Albert
Roussel. En el resto de Europa algunos compositores como Frederick
Delius en Inglaterra, Ottorino Respighi en Italia y Manuel de Falla en
España siguieron ciertos rasgos del estilo de Debussy.
Al
comienzo de la I Guerra Mundial en 1914 el gran refinamiento, así como
las limitaciones técnicas del impresionismo musical, provocaron críticas
adversas de compositores y críticos. Un nuevo grupo de compositores
franceses antirrománticos, Lex Six (Los Seis), influidos por Erik Satie,
satirizaron y rechazaron lo que consideraban excesos de esta corriente.
El impresionismo, concebido por Debussy como tendencia contraria al
romanticismo, fue visto como la fase final de la música romántica.
Características de la música impresionista:
- Un tempo más libre, y con capacidad de un rubato a gusto del intérprete (siempre respetando las indicaciones del autor).
- Utilización de los modos, introduciendo numerosas variaciones de cada uno, e incluso inventándolos (como en la obra Syrinx para solo de flauta, de Claude Debussy). No sólo se utilizan modos clásicos, ya que también es muy frecuente encontrar escalas propias de diferentes etnias (Como en el tercer movimiento de Ma mère l'oye de Maurice Ravel, Laideronnette, l'impératrice des Pagodes).
- Experimentar con el timbre, convirtiendo a este en el factor más importante de la música impresionista. De esta manera, se conseguían efectos nunca vistos antes en la música. El preludio de Claude Debussy La Cathédrale Engloutie es un claro ejemplo de los diferentes timbres y sensaciones que pueden escucharse en una misma obra. Link: https://www.youtube.com/watch?v=rfSBddhFvyA
"No existe una teoría. Sólo tienes que escuchar. El placer es la ley. Me gusta la música con pasión. Y porque me gusta trato de liberarla de las tradiciones estériles que la ahogan. Es un arte libre que brota - un arte al aire libre, sin límites, como los elementos, el viento, el cielo, el mar. En ningún caso debe ser cerrado y convertido en un arte académico."
Biografía de Debussy, Claude
(1862-1918), compositor francés cuyas innovaciones armónicas abrieron
el camino de los radicales cambios musicales del siglo XX. Fue el
fundador de la denominada escuela impresionista de la música.
Nació
en Saint-Germain-en-Laye el 22 de agosto de 1862 y se formó en el
Conservatorio de París, donde comenzó a estudiar a los diez años. En
1879 viajó a Florencia, Venecia, Viena y Moscú como músico privado de
Nadejda von Meck, mecenas del compositor ruso Piotr Ilich Chaikovski.
Durante su estancia en Rusia conoció la música de compositores como
Alexandr Borodín, Mili Balakirev y Modest Músorgski, así como el
folclore ruso y gitano. Debussy ganó en 1884 el codiciado Grand Prix de
Roma por su cantata El hijo pródigo. De acuerdo con los requisitos del
premio, estudió en Roma donde se instaló en la villa Medici durante dos
años y presentó de modo regular, aunque sin demasiada fortuna, nuevas
composiciones al comité del Grand Prix. Entre estas obras se encuentran
la suite sinfónica Printemps y una cantata, La señorita elegida, basada
en el poema 'La doncella bienaventurada' del escritor británico Dante
Gabriel Rossetti.
Simbolista y gran amante de la
libertad del artista, Achille-Claude Debussy nace en
Saint-Germain-en-Laye (Francia) el 22 de agosto de 1862 en el seno de
una familia humilde sin tradición musical. A los diez años ingresa en el
Conservatorio de París, donde estudia composición con Lavignac y piano
con Marmontel, y ya en 1878 comienza sus giras como pianista que lo
llevan por distintas localidades de Francia, a Italia, Austria, Suiza y
Rusia., siendo precisamente en esta última donde conoce y trabaja como
pianista para la baronesa von Meck, protectora de Chaikovsky.
No
contento aún con su formación, y deseando también componer, en 1880
recibe clases de composición de Guiraud, obteniendo en 1884 el Premio de
Roma de Composición con la cantata L'Enfant digue, que le da la
oportunidad de permanecer en Roma durante un tiempo aunque a disgusto.
Un año después connoce a Franz Liszt.
En
1899 contrae matrimonio con Rosalie Texier, a la que pronto abandonará
para convivir con la adinerada Emma Bardac, antigua amante de Gabriel Fauré. Todo ello llevó a su esposa a intentar suicidarse por lo que Ravel
se enemistó con él. En 1905, dos años después de recibir la
condecoración de Caballero de la Legión de Honor, se casaba con su
amante.
Después de una época muy efímera de
influencia wagneriana en 1888, recibe gracias a la Exposición Universal
de París de 1889 las nuevas perspectivas de la música oriental, pero
ante todo, prima en Debussy su gusto por el colorido orquestal. Su
técnica modal de composición, huyendo de las reglas del sistema
diatónico, utilizando incluso los modos eclesiásticos, generan en un
intento de liberarse no sólo de la tonalidad sino de las bases rítmicas
clásicas aportando varios planos rítmicos a la vez. Amante de la música de Massenet,
genera en torno a su ópera un asentamiento de la técnica del bel canto
francés, en las que incluye a la orquesta como elemento que aporta
colorido y en las que hace un uso artístico del silencio. Para Debussy,
en las óperas de otros compositores la música predominaba excesivamente
sobre la palabra, de ahí que también buscase en sus canciones,
mayoritariamente escritas para la voz de Mme. Vasnier, la misma técnica
que en la ópera.
Hacia 1909 se manifiestan los
primeros síntomas del cáncer que acabaría con su vida en París el 25 de
marzo de 1918. Ocho años antes había conocido a Stravinsky,
y en 1917 había dado su último recital en público. Para Marmontel, Debussy
no fue un gran pianista pero sí un gran amante de la música.
Primeras obras
Durante
la década de 1880, las obras de Debussy se interpretaron con
frecuencia, y a pesar de su por entonces naturaleza controvertida se le
empezó a valorar como compositor. Entre sus obras más importantes cabe
destacar el Cuarteto en sol menor (1893) y el Preludio a la siesta de un
fauno (1894), su primera composición orquestal madura escrita a los 32
años basada en un poema del escritor simbolista Stéphane Mallarmé. El
músico fue un lector de Charles Baudelaire, Paul Verlaine y otros; así,
la música que Debussy componía tenía una afinidad esencial con la obra
de estos maestros de la literatura, así como con la de los pintores
impresionistas. Por eso era asiduo visitante de Mallarmé.
Su
ópera Peleas y Melisanda, basada en la obra teatral del mismo nombre
del poeta belga Maurice de Maeterlinck, data de 1902 y le otorgó a
Debussy el reconocimiento como músico de prestigio. La forma en que la
partitura realzó la cualidad abstracta y ensoñadora de la obra original
de Maeterlinck fue extraordinaria, así como el tratamiento de la
melodía, que, en manos del compositor, se convirtió en una extensión o
duplicación del ritmo. Considerada por los críticos como una fusión
perfecta entre la música y el drama, se ha llevado a escena en numerosas
ocasiones.
Entre 1902 y 1920 Debussy compuso
casi de forma exclusiva obras para piano. De su producción de este
periodo destacan Estampas (1903), L'île joyeuse (1904), Imágenes (dos
series, 1905 y 1907) y varios preludios. Se alejó del tratamiento
tradicional del piano como instrumento de percusión y le dio más
importancia a sus cualidades expresivas.
En 1909
le diagnosticaron un cáncer del que murió durante los acontecimientos de la I Guerra Mundial. La mayoría de sus
composiciones de este periodo son para música de cámara. Entre ellas
tenemos el extraordinario grupo de sonatas (para violín y piano,
violonchelo y piano, y flauta, viola y arpa), en las que la esencia de
su música se destila en estructuras más sencillas, próximas al estilo
neoclásico.
Precursor del estilo moderno
La
música de Debussy, en su fase de plena madurez, fue la precursora de la
mayor parte de la música moderna y lo convirtió en uno de los
compositores más importantes de finales del siglo XIX y comienzos del
XX. Sus innovaciones fueron, por encima de todo, armónicas. Aunque no
fue él quien inventó la escala de tonos enteros, sí fue el primero que
la utilizó con éxito. Su tratamiento de los acordes fue revolucionario
en su tiempo; los utilizaba de una manera colorista y efectista, sin
recurrir a ellos como soporte de ninguna tonalidad concreta ni
progresión tradicional. Esta falta de tonalidad estricta producía un
carácter vago y ensoñador que algunos críticos contemporáneos
calificaron de impresionismo musical, dada la semejanza entre el efecto
que producía esta clase de música y los cuadros de la escuela
impresionista. Aún hoy se sigue empleando este término para describir su
música. Debussy no creó una escuela de composición, pero sí liberó a la
música de las limitaciones armónicas tradicionales. Además, con sus
obras demostró la validez de la experimentación como método para
conseguir nuevas ideas y técnicas.
Entre otras
obras importantes destacan la música incidental para El martirio de san
Sebastián, (1911) de Gabriele d'Annunzio, la música para ballet Juegos
(1912), el poema orquestal La mer (1905) y las canciones Cinq poèmes de
Baudelaire (1889).
Ravel, Maurice (1875-1937), fue el otro compositor, de origen francés, que influyó poderosamente en la música del siglo XX.
Nació
el 7 de marzo de 1875 en Ciboure, cerca de Saint Jean de Luz. Estudió
entre 1899 y 1905 en el conservatorio de París donde fue discípulo,
entre otros, de Gabriel Fauré y de Gédalge. También conoció a Emmanuel
Chabrier, a quien admiraba. Por sus características de timbre, armonías y
asociaciones extramusicales la música de Ravel se asocia a menudo a la
del compositor impresionista francés Claude Debussy. Sin embargo Ravel
sentía una mayor atracción por las estructuras musicales abstractas. Su
color orquestal vívido y transparente le convierte en uno de los
maestros modernos de la orquestación. Entre sus discípulos más
destacados cabe citar al compositor británico Ralph Vaughan Williams.
El
impresionismo de Ravel se aprecia especialmente en las suites para
piano Miroirs (Espejos, 1905) y Gaspar de la noche (1908) y en la
Rapsodia española para orquesta (1908). Su gran talento para evocar
épocas pasadas se pone de manifiesto en obras como la Pavana para una
infanta difunta (1899), Valses nobles y sentimentales (1911) y La tumba
de Couperin (1917), composiciones todas ellas para piano que
posteriormente fueron orquestadas. Su clasicismo se aprecia en la obra
para piano Juegos de agua (1902), con una estructura de sonata clásica y
una textura brillante y virtuosística, así como en el Cuarteto para
cuerda (1903), la Sonatina para piano (1905) y obras de cámara
posteriores como la Sonata para violín y violonchelo (1922).
Entre
la obra escénica de Ravel cabe citar las óperas La hora española (1911)
y El niño y los sortilegios (con libreto de la escritora francesa
Colette, 1925), el famoso Bolero (1928), escrito en principio como
acompañamiento para la interpretación solista de la bailarina Ida
Rubinstein, y el ballet impresionista Dafnis y Cloe (1912), encargo del
empresario ruso Sergei Diáguilev. Diáguilev había ya escenificado
arreglos de obras anteriores de Ravel como la suite Mi madre la oca
(para dos pianos, 1910, y para orquesta, 1912). En los años veinte la
colaboración de Ravel con George Gershwin ejerció una fuerte influencia
en ambos compositores. La orquestación de las últimas obras de Gershwin
es más pulida y en las dos últimas obras de Ravel se observa una sutil
influencia jazzística: el Concierto para piano en sol y el Concierto
para piano en re para la mano izquierda (1931), mucho mas sombrío y que
fue escrito para el pianista vienés Paul Wittgenstein que había perdido
su mano derecha en la I Guerra Mundial. En 1932 se vio afectado por una
enfermedad neurológica. El 28 de diciembre de 1937 Ravel fallecía en
París.
Nace en Ciboure (Francia) el 7 de marzo
de 1875, siendo su madre de origen vasco. El mismo año de su nacimiento
la familia se traslada a París, donde fijarán su residencia definitiva, y
allí, Ravel comienza a estudiar música desde los 6 años, recibiendo
lecciones de piano de Guys [o Ghys].
Después de
estudiar armonía con Charles René durante 1887, prepara la prueba de
ingreso en el Conservatorio de París con Emile Decombes y Eugene
Anthiome, logrando entrar en 1889. Allí recibirá clases de Ch. de Bériot
y Emile Pessard.
En 1897 vuelve al Conservatorio para estudiar composición con Gabriel Fauré y André Gédalge, y dos años después triunfa con su Pavana para una infanta difunta (para piano).
A
partir de esa fecha inicia una brillante carrera como compositor, que
lo llevará en 1928 a dar una gira de conciertos por EE.UU. Este mismo
año compondrá otra de sus piezas más populares, el Bolero, y será
nombrado Doctor Honoris Causa por la Universidad de Oxford.
Maurice Ravel moría en París a causa de un tumor cerebral el 28 de diciembre de 1937 a los 62 años de edad. Link: https://www.youtube.com/watch?v=g76QvVRQdGU
Repertorio de obras impresionistas:
- Prélude à l'après-midi d'un faune, (Preludio a la siesta de un fauno) para orquesta basado en Stéphane Mallarmé. (1891/septembre 1894).
- La mer, trois esquisses symphoniques pour orchestre (El mar, tres bocetos sinfónicos para orquesta) (agosto 1903 - 5 marzo 1905).
- Images, pour orchestre (1905-1912)
- Préludes - Premier Livre y Deuxieme livre, para piano, entre los que destacan La fille aux cheveux de lin y La cathédrale engloutie (diciembre 1909 - febrero 1910)
- Suite bergamasque, para piano, entre los que destaca Clair de Lune
Isaac Albéniz
- Suite Iberia, para piano (1905).
- La Vega, para piano (1898).
- Azulejos, acabada por Enrique Granados, (1909).
- Navarra, acabada por Deodat de Severac.
Manuel de Falla
- Noches en los jardines de España, para piano y orquesta (1876-1946).
- El sombrero de tres picos, Ballet (1919).
Maurice Ravel
- Jeux d'eau (Juegos de agua), para piano (1901).
- Ma mère l'oye, para piano a cuatro manos (1910).
- Gaspard de la nuit, para piano (1908).
- Dafnis et Chloé, para orquesta y coro (1909-1912).
- Boléro, para orquesta (1928).
Erik Satie
- 3 gymnopédies, para piano, entre las que destaca el primer movimiento, Premiére Gymnopédie (1888).
- 6 gnossiennes, para piano (1890).
- Je te veux (Te necesito), vals para piano (1902)
Joaquín Turina
- Danzas fantásticas, para orquesta (1919)
- Sevilla, para piano (1908)
- Ottorino Respighi (1879-1936)
- I Pini di Roma (Los pinos de Roma) (1924), usada en la banda sonora de Fantasía 2000.
- Albert Roussel (1869-1937)
- Evocations (Evocaciones) (1910-1911)
- Le Festin de l'araignée (El festín de la araña) (1912)
- Bacchus et Ariane (Baco y Ariadna) (1930)
- Paul Dukas (1865-1935)
- L'Apprenti sorcier (El aprendiz de brujo) (1897), célebre gracias a la película animada Fantasía.
- Ariane et Barbe-bleue (Ariadna y Barbazul) (1907)
Páginas consultadas:
http://www.theartwolf.com/articles/50-pinturas-impresionistas.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Vanguardismo#Impresionismo
http://depmusica.wikispaces.com/file/view/TEMA+13+LA+M%C3%9ASICA+DEL+SIGLO+XX+HASTA+LA+II+GUERRA+MUNDIAL.pdf
http://www.hagaselamusica.com/ficha-periodos-musica/vanguardias/siglo-xx/
http://es.wikipedia.org/wiki/Impresionismo_musical
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